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INTRODUCCION
Hola, me llamo Sergio Garcia Arroyo. Tengo 19 años y me apasiona mucho el diseño. Tengo mi propia marca de ropa y aun no se si considerarme diseñador grafico "freelancer". Soy estudiante de primer año en la Escuela de Arquitectura de la UPRRP. Espero poder eventualmente combinar mi interés por la moda con la arquitectura en el futuro.
Pelicula Baraka
“No puede haber una sociedad floreciente y feliz cuando la mayor parte de sus miembros son pobres y desdichados” -Adam Smith.
A medida que la sociedad progresa nos damos cuentas que la equidad se va reduciendo. Comenzamos a ver diferencias en el plato de tu vecino; en su hogar; su medio de transportación; su oficio y sus recursos. Adicional esto, es el mismo sistema que perpetua esta conducta. Estos dos puntos del modernismo y el “sistema” se intercalan, ya que uno es el combustible para el otro; en otras palabras, sin uno no puede existir el otro. En esta reacción sobre la película Baraka estaremos explorando la causa y efecto de estas fuerzas, no obstante, mostraremos como nos afectan a nosotros.
La codicia siempre ha existido, desde que el hombre piso la faz de la tierra. Ha sido la razón por numerosas guerras, masacres, asesinatos y crímenes contra la humanidad. Antes esta conducta era castigada severamente. A medida que pasa el tiempo y unos progresan mas que otros utilizando métodos cuestionables podemos ver como aquellos que están más adelantados buscan de cualquier forma u otra mantener a los de atrás…atrás. Esta dinámica lo que fomenta es que los que están atrás intenten hacer lo mismo que hicieron los que progresaron, pero teniendo que lidiar con tres veces las adversidades. Esto se puede ver en la película con las tomas de trabajadores en fabricas y consumidores con corbatas y trajes caminando en la calle. Lo lamentable es que hay un porcentaje piensa que esta progresando cuando en realidad aún siguen en el mismo lugar. Personas que dedican su existencia entera a trabajar para llegar a ese cheque de 7 números que muy posiblemente no llegara. El sistema está diseñado de esta forma. Quienes no se acoplan antes que sea muy tarde serán condenados a una vida de varias adversidades.
La carta que juega el sistema en todo esto es muy simple. Crea una meta deseada que te ofrece libertad financiera que solo el 1% lograra experimentar. Este 1%, más veces que las que no, busca hacer todo lo posible por obtener esa meta deseada de la libertad financiera. El ser común y corriente que no esta dispuesto a que tomar ese mismo riesgo, porque conoce que ya la persona que lo hizo antes que el quemo su puente. Por eso menciono que quien no pico adelante esta condenado a tener que lidiar con tres veces las adversidades que quien vino antes. La escena de los pollitos siendo procesados y marcados para luego ser convertidos en pollos para ser consumidos en un ejemplo perfecto. Los pollos que lograron no ser capturados disfrutan de libertad total AKA 1%. Aquellos atrapados son el resto de la población que tiene esperanzas de aun poder rescatar su libertad, pero aun no pueden ver que el juego estaba arreglado desde el inicio.
En el filme Baraka podemos ver como la explotación de personas por intentar alcanzar la demanda de ciertos productos. Son personas que trabajan con ansias de eventualmente poder escalar la montana de lo que es el sistema. Mientras mas moderniza la sociedad más se malgastan recursos desmedidamente. Mientras mas se tergiversen las reglas del juego, mas personas del 1% que se están lucrando del trabajo de los que están abajo. El filme Baraka logra mostrarnos estos con imágenes de personas en países tercer-mundista buscando recursos en lo que parece ser un lugar donde se dejan desperdicios. Es nuestro deber ,como miembros de una sola comunidad, asegurarnos que nuestro plato y el de nuestro vecino este lleno; que nosotros tanto como nuestros vecinos tengan hogar y que el sistema no nos abandone a nosotros y tampoco a ellos.
Imagenes
El Gesto Arquitectonico
Que es diseño?
¿Qué es el diseño? El diseño es la materialización de aquella idea que suele ser respuesta a una necesidad útil. Es el poder identificar las diferentes necesidades que existen y crear una solución tanto estética como práctica. Requiere un balance perfecto para ejecutarlo a su mayor expresión. Es importante que el diseño conlleve una cierta cantidad de investigación, pensamiento racional e intuitivo. Un diseño si en esto es un caparazón vacío, un espacio sin propósito y hecho por puro capricho. Nosotros como arquitectos somos responsables de que cada uno de los pasos mencionados anteriormente sean cumplidos; de no cumplirlos, no estamos respondiendo correctamente a la necesidad presentada.
Los interrogantes que nos hagamos durante el proceso del diseño valen mas que cualquier otra cosa en nuestro proceso, debido a que esto nos muestra que verdaderamente estamos enfocados en resolver el espacio de forma eficiente par todo el mundo envuelto. Es nuestro deber diseñar para el cliente, el ecosistema, el entorno del espacio, las personas que lo habitaran y las personas que lo rodean. De no hacer lo previamente estipulado estuviésemos haciendo un diseño estático y sin la posibilidad de evolución. Algo que es sumamente importante es el estar abierto a expandir tu plano creativo. No necesariamente lo que tienes en tu mente terminara así, el proyecto ira evolucionando a medida en que surjan necesidades. Esto se puede ver en el documental de “The Stone Thermal Baths”. El arquitecto Peter Zumthor logro resolver una necesidad de la forma mas eficiente posible. ¿No se puede construir verticalmente para no impedir la visibilidad de los huéspedes del hotel? Vamos a integrar la estructura al suelo y al terreno para hacerlo ver como parte del monte. ¿No todos los clientes quieren agua caliente para su sauna? El arquitecto implementa diferentes cuartos para diferentes necesidades. Ejemplo de estos cuartos son la diferencias de temperaturas, sabor de agua y estimulación tanto visual como auditiva. Estos son todos indicios de un diseño resuelto en su enteridad de la forma mas eficiente posible.
Un diseño que no conlleve el suficiente pensamiento critico y proceso investigativo es bastante evidente. Usualmente existen en el espacios sin uso, aspectos estéticos que no le añaden a la estructura, no existe la inclusión y hasta en ocasiones existen problemas en el aspecto funcional. En estas instancias el diseño carece de personalidad y pasión; No existe este espacio adicional para que evolucione en otro espacio. Es improbable la posibilidad de iniciar un cambio en la realidad de ese espacio y en las personas que lo habitan. Es muy improbable que un diseño que carezca de los elementos básicos tenga en cuenta las necesidades de todos los que lo habitaran o transitaran por él. Por esta razón es tan importante el cuestionarse durante el proceso creativo. Hay que preguntarnos para quien, donde, para cuantos y para que estamos haciendo este diseño.
La importancia de crear un diseño con personalidad y pasión es que el espacio se adapta a quienes lo habitan. Es como si el espacio cogiera vida, esto solo se logra con buen proceso de diseño. Es esencialmente nuestro trabajo el lograr crear un espacio que sea tanto hermoso como inclusivo y practico. Existen demasiados espacios que carecen de inclusividad, estética y en ocasiones funcionalidad. La creatividad, junto con nuestra capacidad de resolver problemas y necesidades presentadas a nosotros serán lo que hará que tengamos una carrera larga y exitosa.
“El balance, ese es el secreto. Extremismo moderado” – Edward Abby.
Nosotros como arquitectos debemos de dejarnos llevar por esta frase mas que cualquier otro profesional. Es nuestro trabajo encontrar el balance perfecto entre lo estético y lo práctico. Si la balanza se gira a un lado mas que otro, entonces es cuando hay que tomar un paso hacia atrás y contemplar nuestras decisiones en cuanto al diseño. Un ejemplo perfecto de esto es la imagen que el profesor nos mostro que hablaba sobre el columpio. Aquí podemos ver los diferentes estilos de construcción por diferentes personas, desde enfocarse en lo esencial, sobrecargarlo, ser lo más estético posible o simplemente tratar de llevarlo a cabo de una forma u otra. En esta reflexión les estaré a hablando sobre la importancia del balance en el diseño y las diferencia de un diseño pensado y uno hecho puramente a código sin estética.
Muchos de los diseños o todos los que un Arquitecto lleva acabo son directamente vinculado a una necesidad. Esta necesidad es en base a la realidad de quien la tiene. Por eso es por lo que cada proyecto es diferente y obras entre arquitectos también lo son. Cada arquitecto tiene un a realidad diferente, por ende, les da más valor a algunos aspectos sobre otros. Esto puede verse en espacios que carecen de cosas inclusivas o las presentan de forma muy pobre. De esta misma forma hay algunas personas que sacrifican esta funcionalidad, por la estética. Quieren enfocarse en ese primer plano tanto, que no les dan la cabeza suficiente a los demás aspectos esenciales.
Al otro lado tenemos a quienes solo se enfocan en el aspecto esencial y solo intentan hacer todo a código sin experimentar lo que es posible y lo que no. Son personas que son bastante rudimentarias y solo intentan enfocarse en completar el trabajo asignado de la forma mas eficiente posible. Esto lo podemos ver en la película de Baraka, en las Favelas. La comunidad que rodea el espacio va a influenciar el diseño final basado en las necesidades que tiene, tanto estéticas como funcionales. Las favelas son prácticas, pero no tienen una personalidad no dicen nada de la gente que vive allí. Las personas en este caso no definen el espacio. La cultura que rodea el espacio debe de ser reflejada en el espacio.
Este balance es esencial para el provecho de la comunidad y de las personas que habitan este espacio. No se puede crear un espacio dejándose llevar por regulaciones siempre porque todo seria igual. No hubiese nada que resaltara o distinguiría la realidad de una comunidad sobre otra. Nosotros como diseñadores debemos de enfocarnos en tener de prioridad este balance. Debemos de estudiar la zona, su comunidad y el flujo del espacio. Cuando se logre crear colocar todo en un mismo plano de importancia donde lo funcional se incluya en lo estético, entonces podremos crear obras pensadas. Obras donde se toma en consideración cada aspecto del espacio y su entorno. Como arquitectos y diseñadores debemos de mantener este estándar siempre.
Analisis de Arquitectura
Analizar a la arquitectura no es solo analizar el espacio o la estructura es observar y entender su entorno tanto como la luz que le entra o su ventilación. Cada aspecto de tu estructura incluyendo lo que lo rodea es lo que define esta obra. La luz que recibe, el viento que entra y todo el espacio que lo rodea de estar completamente planificado, ya que cae en ese primer plano de diseño y debe ser la primera variable que se observa y se contempla a la hora de diseñar. Nos presentan tipos de construcciones y diseños tales como fosos, plataformas o zonas elevadas, hitos, cubiertas u otros más. Cada uno de estos tipos de diseños lleva una un propósito; desde el mas simple como el hito a algo mas complejo como estacas y columnas.
Aspectos básicos del análisis de la arquitectura, como el entorno y detalles que logran mejor definir tu espacio son fundamentales para llevar acabo un diseño eficientemente. Podemos ver como los detalles individuales explicados en la lectura se pueden unir para crear un espacio en sí. Cada uno de estos elementos que nos mostraron tiene un propósito natural, pero dado por el hombre a la vez. Tenemos cubiertas que se utilizan para tapar del sol y la lluvia, hitos que son para marcar puntos de interés; plataformas para poder colocar un espacio por encima de su plano natural. La combinación de todos estos elementos y sus funcionalidades se pueden crear formas arquitectónicas primarias.
Estos elementos primarios y fundamentales mencionados en el párrafo anterior son todos abstractos. Es solo cuando se traen al plano físico que necesitan unirse con otros factores no estipulados como influencia de luz, temperatura, texturas y materialidad que aguante el pasar del tiempo. Ejemplo de esto seria el uso de aperturas o ventanas. Estas ventanas te dan oportunidad de influenciar temperatura y controlar la entrada de luz y agua. El modificar estos factores contribuyen a la experiencia arquitectónica. El también poder crear un espacio con una escala agradable es igual de importante.
La experiencia de un espacio dependerá de los componentes del. Todas las variables previamente establecidas son sumamente importantes para poder crear una experiencia agradable al atravesar o habitar el espacio. Desde mirarlo desde el exterior hasta el presenciarlo y atravesarlo. Todo esto son fases que nosotros como espectadores pasamos. Al nosotros funcionar como los diseñadores es imperativo que no pongamos en los zapatos de quienes habilitaran este espacio, ya que podremos entender mejor el diseño y nos ayudara a poder crear un producto beneficioso para todo el mundo envuelto.
Sistema de moda
“La Moda es todo lo que puede pasar de moda” -Coco Chanel. La moda se divide en dos duraciones: una propiamente histórica y otra que se puede denominar como memorable. Esto presenta la interrogante: ¿La historia tendrá influencia sobre el proceso de la moda? La respuesta es que no, la moda cambia, pero sus cambios son alternativos. El ritmo de la moda debe ser alterado para que la historia influya en ella. En muchas ocasiones este mismo ritmo es un indicio de una nueva sociedad. Modas memorables son un ejemplo de indicios de nuevas sociedades. Un ejemplo de esto seria las épocas de los 70s, 80s y 90s en el cual su moda sirve de estampa y aun influencia a la sociedad hoy día.
La frase con la que se comenzó esta reflexión sirve de ejemplo de que la moda en si siempre cambia de ritmo. Ciertas cosas que se ven hoy no necesariamente se verán mañana. Modas memorables no son excepción a esta regla. Por eso es por lo que varias épocas tienen su propio estilo de estampa. Son memorables, pero también son víctimas de estos cambios de sociedad; aquí se pudiese también añadir que depende de ciertas necesidades que ocurren en la época. Temperaturas, estado económico del país, oficio o simples casos de innovaciones de parte de diseñadores. La moda en si también se utiliza de forma indirecta para reflejar estado económico. Tanto en el hombre como en la mujer. Se nos menciona que si la pieza supera el desgaste efectivamente hay moda, pero si el desgaste supera la pieza pues no hay moda. Estas piezas que superan el desgaste y al día de hoy se pueden utilizar e identificar la época; aunque hayan sido de más de 20 años previos, son ejemplos aun presentes de lo que es moda memorable.
Nuestro próximo punto tiene ciertas similitudes con el pasado. Hay modas que son propiamente históricas. Esto iría a depender de su impacto, presentación y viralidad; esto iría siendo un punto casi idéntico con el de moda memorable. La diferencia entre las dos depende del contexto, pero termina siendo una diferencia minúscula. La moda carga mucha importancia a través de la historia. Termina afectando la economía, el aspecto social y las diferentes innovaciones que surgen en la época. Reiterando mi punto del principio, no pienso que la historia cambia tanto a la moda, sino que la moda tiene el poder de cambiar aspectos de la historia. Es una forma de expresión, puede ser utilizada como forma de protesta. Un ejemplo de esta protesta seria cuando Gloria Steinem por su forma de vestir y su estilo termino siendo la cara del feminismo de segunda ola.
La moda siempre existirá, es solo un asunto de cual perdure y cual termina siendo olvidada. Como diseñadores es nuestro deber estudiar la historia y modas que son memorables. En nuestro diseño se debe de ver reflejado aspectos del pasado y aspectos innovadores. Esa es la única forma en el que se creara un diseño que superara el desgaste y el tiempo.
Arquitectura sin arquitectos
Es impresionante el hecho de que muchas de las creaciones famosas más histórica no tengan un diseñador anónimo. Esto es conocido como arquitectura vernacular, anónima, espontanea o en ocasiones hasta indígena. Nos presentan lo interesante que es pensar en los arquitectos que no tuvieron clases y no tuvieron un mentor. Hay algo bien interesante de estos artistas que sin manual de instrucciones han logrado perfeccionar la habilidad del diseño tanto al punto donde existen hoy día edificaciones que tienen mas de miles de años. Este tipo de arquitectura sorprendentemente nos muestra que existían diseñadores que priorizaban estética, otros funcionalidad y los demás que lograron encontrar el balance perfecto.
Existen varios tipos de arquitectura vernacular. Existe la arquitectura rudimentaria, la cerámica, proto-industrial etc. Cada una surge de las necesidades de su localización igual que la arquitectura actual. Lo que realmente es impresionante es como los arquitectos de estos espacios logran crear algo que sigue siendo practico al día de hoy. Arquitectura proto-industrial se sigue utilizando para la agricultura y para energía, ya que utilizan esta arquitectura vernacular como referencia. La arquitectura cerámica es esta en donde se crean edificaciones desde o en piedra pura. Por fin, la arquitectura rudimentaria es una que se utilizaba mucho en Japón para crear estructuras con paredes con excelente ventilación de grandes dimensiones. Toda esta arquitectura vernacular aun se ve al día de hoy.
La diferencia entre esta arquitectura y la arquitectura pasada es el hecho de que nosotros ahora tenemos un entendimiento de las medidas más claro que ellos y tenemos una fuente infinita de referencias del pasado. Estos arquitectos fueron los pioneros de sociedades sin tener en que basarse. La diferencia entre la arquitectura vernacular y la actual es en ocasiones la falta de estética y organización. Antes existían ciudades con construcción parecida y uniforme. Hoy día, podemos ver un contraste marcado entre edificios antiguos y arquitectura moderna. Vemos edificios con menos carácter y menos personalidad. Son pocos los edificios de la metrópolis moderna que verdaderamente tienen un diseño digno de su funcionalidad. A diferencia del pasado donde más grande y decorado definía importancia.
Verdaderamente soy agradecido por estos arquitectos anónimos que fueron los pioneros de numerosos estilos y nos entregaron estos espacios dignos de admirar, apreciar y emular. Obviamente la arquitectura evoluciona y sus estilos cambian, pero considero que si de vez en cuando se mirara hacia atrás pudiésemos crear espacios mas ricos y mas cargados de vida. Es verdaderamente un privilegio el poder analizar estas piezas pasadas y poder utilizar ciertos aspectos de referencia para futuras obras. Muchas gracias a la arquitectura sin arquitecto.
Sistema Espacial y Sistema Material
El sistema espacial consiste de las relaciones entre estructura, objeto con el espacio positivo con el negativo; mientras que el sistema material esta basado en la superficie donde se construye y los elementos que indirectamente lo componen como su entorno. Un ejemplo de este sistema espacial comienza con los puntos. Si se logran colocar puntos en un cierto orden o formato, el espacio negativo que se crea puede crear líneas que hagan planos; de aquí se crean superficies y finalmente volúmenes. Estos volúmenes creados pueden ser identificados utilizando diferentes texturas y aspectos como formas, tamaños, color y texturas. Estas explicaciones presentadas del sistema espacial y material es una abstracción total de la lectura previamente asignada “análisis de la Arquitectura” donde nos mostraban los diferentes aspectos del diseño y como poco a poco un elemento se podía evolucionar a otro o como estos elementos se unían para poder crear una composición mayor. Próximamente estaremos hablando de algunos principios que ayudan a poder guiar el proceso de diseño y que distingue un sistema del otro.
La distribución de espacios es crucial para el sistema espacial en la arquitectura. Estos espacios pueden variar en tamaños y formas como por ejemplo el principio de la reducción que consiste de minimizar el tamaño de una gran parte de un edificio o el edificio en su enteridad. El sistema espacial nos presenta elementos como la estructura y la volumetría. Aquí nos presentan las imágenes de la copa. Esta copa nos presenta el principio de Gestalt de fondo y figura, la copa en si siendo el espacio negativo y el volumen en su interior el espacio positivo. Esta mismo se puede ver en la fachada del edificio de Peter Zumthor que nos muestra una serie de cuadrados que sirven como el espacio positivo, mientras que el resto de la fachada sirve como un marco de espacio negativo.
Ahora, a diferencia de el sistema espacial, el sistema material consiste del manejo de estos elementos que influyen en la estructura como luz, entorno, temperatura acústica y ventilación. Como he mencionado previamente en mis reflexiones, estas cosas son todas claves para poder llevar acabo un buen diseño que resuelva una necesidad en la sociedad y también pueda darle servicio a ella y no solo a un sector. La durabilidad de los materiales utilizados también cae en este plano de importancia, ya que es la primera cosa que el espectador mira antes de entrar por tu espacio. Nos presentan el ejemplo de estructuras en el viejo San Juan, esto es un perfecto ejemplo de un diseño con ventilación y material duraderos. Es de suma necesidad tomar todos aspectos en consideración.
Ambos sistemas requieren ciertos aspectos parecidos en su proceso de diseño. Por algo nos ensenan estos sistemas tan temprano en nuestros estudios. Un buen diseño requiere un buen entendimiento de los aspectos fundamentales de esta disciplina. Algo que si me gusta del sistema material es el proceso investigativo que conlleva; el buscar materiales duraderos, crear aperturas para ventilación y transición. Todo esto para poder crear un espacio sostenible y durad
Estilo y Ornamentación
Estilo y Ornamentación, ambos de la misma naturaleza, pero con diferentes propósitos. En el caso de la ornamentación, se utiliza para añadirle ciertos aspectos o elementos a un diseño para darle un carácter necesario o poder traer a la realidad una visión que no pudiese estar completa sin ella. Un excelente ejemplo de la ornamentación es la moda. Bajo la ornamentación cae: material/textura, estructura, proporciones utilizadas y la técnica en que es presentada al publico general. El estilo es algo con la misma cantidad de intención, pero con más historia envuelta por ende suele ser en ocasiones mas sencillo de explicar que espacios con ornamentación. En esta historia caería la arquitectura vernácular y los diferentes estilos que tiene esta. Siglos han pasado y por esta razón se logra entender mejor un cierto estilo, ya que tiene mas trasfondo y ha sido estudiado por un tiempo determinado. En esta reflexión estaremos viendo como cada una complementa y se diferencia de la otra, aun utilizando de referencia lecturas pasadas
La ornamentación, como nos presento el profesor, es usualmente una serie de detalles en especifico que forman parte de un sistema más grande. Un buen ejemplo de esto en practica es edificio que el profesor nos presenta que nos muestra un estilo de arquitectura que parece ser gótica, pero con una serie de detalles logra lucir como la piel de un dragón. Otro ejemplo de esto seria los cines de plaza y la recta en el primer piso que tiene unas palmas. La ornamentación busca crear un espacio semejante al viejo san juan, pero artificial. Realmente no puedo decir que es una ornamentación bien ejecutada, pero es obvio que la intención esta ahí. La arquitectura del siglo 15 en Europa que se basa en la arquitectura greco-romana que hasta cierto punto es considerada vernacular. Esta arquitectura del siglo 15 y 16 influye en la estética del viejo san juan, que termina influyendo en esta ornamentación dentro del cine de Plazas las Américas. Lo mismo sucede con la moda. Ciertos diseños emulan o buscan revivir aspectos o detalles del pasado en su ornamentación, pero no siempre es exitoso.
El estilo es algo que consiste de la historia, ha sido refinado y ha tenido diferentes variantes creadas. La moda es similar. La moda es cíclica igual que muchos aspectos del estilo. La moda evoluciona al pasar el tiempo y lo mismo sucede con muchos estilos de diseño. La diferencia entre la arquitectura y la moda suele ser la escala, texturas y materialidad de sus obras, ya que un diseño de moda puede constantemente ser editado o adulterado, pero un proyecto arquitectónico es construido con una serie de regulaciones y necesidades especificas que van ya más allá del estilo. El estilo facilita el entendimiento del espacio y las características que lo componen, ya que existen referencias del espacio gracias a precedentes del pasado.
Las diferencias y similitudes entre la ornamentación y el estilo son bastante parecidas, ya que van de la mano. Existen varios estilos de arquitectura que dependen completamente de su ornamentos para que logre distinguirse entre las demás. La arquitectura greca es un ejemplo de este planteamiento. Lo mismo va con la moda. Un ejemplo de esto en la moda seria la cultura del “vouging” o “drag” donde estos accesorios y ornamentación la definen por completo. Es un tema extremadamente interesante, ya que sin una jamás pudiese existir la otra.
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LA INVENCION DE LO CLASICO 1: CONTEXTO
Arquitectura sin arquitectos… muchos de los estilos arquitectónicos que conocemos hoy día surgen de hace miles de anos atrás. Aunque la técnica se haya desarrollado por arquitectos anónimos con técnicas vernaculares, hoy día aún se siguen estudiando para emular y entenderla mejor. Un ejemplo de esto seria la arquitectura greco-romana. Las catedrales y los grandes templos en Europa son vivo ejemplo de esta práctica. Existen templos que han sido construidos con técnicas que han logrado ser pasadas de generación en generación y también templos que han sido construidos con estas técnicas nunca vistas. Hoy les estaré hablando sobre algunas diferencias en utilizar precedentes para resolver un problema en lugar de crear una solución al problema presentado.
En las catedrales mas famosas de España e Italia, podemos ver arquitectura greco-romana. Arquitectura que es muy parecida a la de la Grecia antigua. Sin embargo, existen ciertos templos donde se crea una solución para expresamente el problema de diseño que conllevan. Un ejemplo de esto sería la capilla que nos presentan en el video. Esta utiliza técnicas góticas, pero también arquitectura romana. La razón por esta mezcla es la necesidad que la misma construcción conlleva. La parte frontal es gótica para poder maximizar ventilación y luz natural; la parte del exterior es romana con ventanas mas esbeltas para que el marco de estas ventanas no desestabilice lo que sería el soporte del arco. Todas estas técnicas toman siglos en dominar, que mejor ejemplo de esto que arquitectos buscando como y que técnica fue utilizada para poder llevar a cabo la estructura.
Uno de estos arquitectos que aun hoy día es estudiado es Filippo Brunelleschi. El hombre responsable por lo que es hoy día el techo “dome” de la catedral de España. Este hombre de joyero termino siendo uno de los arquitectos más enigmáticos de la historia. Es verdaderamente curioso, ya que presenta esta propuesta para el techo de esta catedral utilizando un huevo de ejemplo y logra exitosamente crear un patrón exclusivamente esencial para este tipo de de construcción. El “fish spine technique”. Un tipo de construcción que se sigue utilizando hoy día. Lo bueno del desarrollar ciertas técnicas como estas exclusivamente para estas estructuras es el hecho de que no estas adaptando un método en otra estructura donde un margen de error es mas grande a la hora de la conversión de medidas y dimensiones. Aquí se crea una técnica de cero para resolver un problema en especifico con un espacio determinado donde el margen de error puede ser menos o en ocasiones quizás hasta peor. Es un arma de doble filo, pero estos arquitectos nos dejan ver la importancia de tomar estos riesgos.
Al ver estos videos realmente me inspiro a llevar a cabo análisis más profundos al momento de observar obras arquitectónicas impresionantes en un esfuerzo por mejor entender técnicas utilizadas y texturas. Es una meta para cualquier diseñador el poder crear una técnica completamente suya como el “fish spine technique”. Podemos ver que otros arquitectos a través de la historia han hecho lo mismo o han utilizado otras técnicas vernaculares para diseñar.
Case of Abstraction
El arte abstracta es el tipo de arte menos tradicional, sin embargo, este estilo logra poder crear una realidad completamente distinta a lo que uno estaba a acostumbrado a ver en el mundo del arte. Un genero que tuvo un desarrollo lento, sin embargo, hoy día domina el mercado del arte moderna. Es un arte que en sus comienzos se consideraba una técnica de representación, pero ahora a se le añade el que se convierte en una técnica para que artistas logren interpretar emociones, doctrinas y o cualquier otro elemento del aspecto cotidiano. Es un estilo que se opone al realismo y requiere uso de la imaginación para poder comprenderla y admirarla.
Durante el proceso de la industrialización se comenzaron a ver más pinturas con este estilo. Artistas lograban capturar a muchedumbres, paisajes y numerosos otros entornos. Dentro de esta técnica se desarrollan diferentes medio de interpretación. Ejemplo de estos distintos métodos es el cubismo, que buscaba mostrar las diferentes fachadas del sujeto principal del cuadro, aunque no se pudiesen ver al ojo humano. Existe también, arte abstracta orgánica, geométrica y el expresionismo abstracto. Cada cual tiene sus características que las distinguen una de la otra, pero siguen siendo técnicas que oponen al realismo y contienen su propio lenguaje. Obviamente el arte abstracta no es simple y sencillamente limitada a un canvas blanco y un pincel, sino que también existen esculturas abstractas.
Estas esculturas pueden ser de barro, madera o metales. La escultura abstracta es no figurativa igual que muchas instalaciones abstractas igual que las que nos presentan este video. Una instalación que me capto la atención fue la de unas cortinas o una sabana colgando del techo de ciertos puntos para lograr presentar una figura totalmente única y colorida. El poder tener una escultura o instalación abstracta nos permite entender mejor las dimensiones que conlleva esta obra no figurativa. Nos permita adentrarnos mas a fondo a ella y lograr utilizar mejor nuestra imaginación para apreciarla como debe ser. No es para quitarle merito a la pintura abstracto, todo lo contrario, son la misma técnica con distinto estilo de presentación que puede o dañarla o hacerla reconocida.
La diferencia mas notable entre los dos estilos de presentación es la presencia que cargan en el espacio que habitan. Nos presentan obras de pintores que convocaban a entidades del más allá para sus pinturas y lograban mostrar un sistema de pensar mucho mas elevado del que usualmente consumimos por medio del arte tradicional. Aun así, con estilos minimalistas, que es reducir el arte a sus formas mas básicas, se puede crear este foco jerárquico en el espacio donde esta siendo presentado que te hará gravitar hacia él. No existe una manera correcta o incorrecta de hacer arte abstracta. Todo dependerá de tu medio de presentación y dependerá de tu propia expresión indirecta o directa como artista.
Jackson Pollock
¿Caos o accidentes controlados?
Esto es una de las polémicas que rodea el arte de Pollock. Arte que, a pesar de lucir como un reguero masivo, es extremadamente organizada por colores, texturas y “strokes”. Es sumamente interesante analizar esta polémica, ya que realmente no tiene respuesta directa. A pesar de Pollock molestarse al escuchar su arte ser llamada un caos, en ocasiones superficialmente es lo que lucía. Que conste la palabra caos no siempre carga una connotación negativa, en este caso se utiliza para lograr explicar los contrastes y texturas repentinas que ocurren en el canvas. Un video grabado nos muestra a Pollock pintando, pero desde debajo de un canvas de cristal donde podemos quizás adentrarnos en la perspectiva del canvas y podemos ver los distintos movimientos de su muñeca al aplicar diferentes texturas y “Strokes”. En esta reflexión estaremos tocando las diferencias entre lo que Pollock hacia y los demás pintores, adicional a eso explicando su técnica.
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Pollock como artista tenía un estilo relativamente único. Lograba crear arte abstracta, pero de la convencional. No tenía miedo de utilizar textura de la pintura como parte de la pieza y no tan solo textura de la pintura, sino que de distintas otras cosas que se encontraban en su hogar como tornillos y otros materiales. Otros pintores se enfocaban más en sujeto, en lugar de mostrar esta pintura con sus distintas texturas y temática oculta. Pollock en un momento dado logro mezclar sujetos más fijos y claros con su estilo abstracto; tal como lo hacían artistas como Pablo Picasso. Ahora, es una lástima que en sus últimos anos no creaba tan frecuente como en años pasados debido a problemas de alcoholismo que lo persiguieron toda la vida hasta el día de su muerte debido a un accidente de automóvil.
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En cuanto a su técnica, era obvio que cada “Stroke” era previsualizado. Cada movimiento de muñeca era con una intención especifica. Algunos movimientos provocaban franjas de pinturas más largas y curveadas, otros simplemente chipoteaban y hacían puntos. Estos movimientos se pueden ver en fotos y videos de Pollock pintando. Es verdaderamente interesante el pensar cuanto tiempo le tomo perfeccionar estos movimientos y lograr identificar como cada uno de estos movimientos tenían un resultado completamente diferente uno a los otros. Pollock definitivamente logra capturar emociones a través de esta técnica que utilizaba y es lo que lo hace ser reconocido como un artista extremadamente influencial y artístico.
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El tipo de arte que Pollock pintaba es una que conozco muy bien, ya que intento de emularla indirectamente en el momento de dibujar. El poder reconocer la intención de cada línea y su valor es una sensación inigualable. No me pudiese imaginar la euforia de poder pintar de esta forma, ya que existen diferentes técnicas y posibilidades para cómo puede quedar el trabajo final en el canvas. Pollock logra con su arte abstracta capturar tu intención y te obliga a entenderla de una forma u otra. Grita para ser comprendida. Ahora, te vuelvo a preguntar: “Caos o accidentes controlados?”
Expresionalismo abstracto
El expresionismo abstracto detalla la vida interna del artista utilizando un estilo no tan convencional influenciado por el surrealismo. Rechaza el regionalismo de los 1930s y logra arrasar el arte americana desde los 1940 a los 1962. Se dice que el trabajo de los mejores artistas en este estilo estaban caracterizados por su madurez y vivencias. Se cancela lo que previamente era conocido como el enfoque de campo. El expresionismo represento la libertad de afirmación interna y experimentación. Dentro de este tema particular existen dos subtemas. El primero es “Action painting” y el otro es “Color-Field painting”. Les estaré hablando sobre estos subtemas a continuación.
Lo que se conoce como el “Action painting” es el provocar o causar que tus gestos, colores y texturas luchen entre si en el canvas para ver cual se convierte en un punto jerárquico. Depende las acciones utilizadas para pintar la pieza. Una técnica reconocida era la de Pollock, conocida como el gotear. Esta técnica deja rastros de gestos que fueron utilizados y sus acciones como un lengua oculto solo entendido por él y sus compañeros. En mi opinión es uno de los estilos artísticos mas divertidos de realizar y analizar debido a su complejidad.
El segundo subtema es el “Color Field Painting”. Este tema consiste de la espacialidad de la obra y sus colores para determinar intención. Debido a que los colores en si cargan emociones y descripciones abstractas la técnica deja que estos colores hablen por si solo para explicar lo que el artista busca comunicar. La diferencia entre esta técnica y el goteado, es el hecho de que el goteado depende de los gestos realizados y los choques de textura en lugar de color y espacialidad. Ambos tienen sus respectivos artistas representantes y llevan un grado de complejidad.
Estos dos subtemas fueron conocidos como alternativas creativas, de mente abierta e innovadoras en el realismo socialista de la unión Soviética. Ambos se pueden ver hoy día con variaciones modernas. Aunque en mi opinión creo que el “Color-Field painting” se utiliza mas hoy día y es mas buscado que el “Action painting”. Aquí tenemos dos estilos que en ocasiones chocan debido a sus diferencias en texturas y otras cosas. Una es rica en textura y dirección y la otra es rica en espacialidad y color. Dos estilos que han sobrevivido el paso del tiempo y han servido como los pioneros de estos estilos dentro del arte abstracta.
La arquitectura compuesta por partes
La arquitectura la vemos como un mundo en el que se divide por parte y en todas esas partes se hacen estudios programas para poder desarrollar y cumplir su existencia. La arquitectura a través de la historia ha llevado método neoclásicos y también académicos en el más desarrollo a lo moderno. Presenta su análisis, características, análisis de diferentes autores con el propósito de lograr nuevos hallazgos. El propósito de la lectura es caminar por la historia de la arquitectura de varios arquitectos como lo son: Palladio a Kahn, Le Corbusier, Alvar Aalto y Hans Scharoun.
El arquitecto Antón Capitel es un catedrático de la escuela de arquitectura de moderna y autor de muchos estudios modernos del tema algunos son: Arquitectura Moderna. Una que presenta es La arquitectura del patio. También Antón capitel es el director de la revista Arquitectura COAM.
En la primera mitad del siglo moderno las obras de Le Corbusier se presentaron una cantidad de técnicas y sistemas para proyectar y tradición antigua entre ellas una que el invento. En estos casos utilizó métodos de tradición clásica y antigua. El también utilizó la composición por partes al que le dio una visión más moderna, sustituyendo clásicos históricos, por un vocabulario más realista. Este trabajo se reseñó al método de composición por partes al mencionar cuatros composiciones diferentes con las que se podía hacer una casa unifamiliar. Para este trabajo realizó croquis bastante parecidas a algunas casas de villas, una de ella es la casa de la Roche Jeanneret, en Paris (Fundación Le Corbusier). Estos trabajos a lo él llamo croquis fueron publicados en el primer volumen de su obra, mencionado que corresponde a un géneros considerablemente fácil, pintoresco, movido que procede clasificación y jerarquía. Sus palabras fueron publicadas luego de usar el método en el proyecto de concurso Palacios de las Naciones en Ginebra y en el de Centrosoyus en Moscú.
Podemos ver las diferentes fachadas de estas estructuras increíblemente diseñadas para lograr una voluntad arquitectónica exterior y una satisfacción interior de todas las necesidades funcionales. Nos presenta lo que seria distintas partes de los edificios y entra en gran detalle al describir su funcionales y elementos fundamentales del diseño. Cada uno de estos diseños presentados tienen características que lo distinguen uno del otro. Desde un diseño que consiste de un bloque grandísimo llamado La Cite de Refuge, a un diseño más sencillo y pequeño llamado el pabellón suizo. Este pabellón suizo crea una forma compacta y precisa. En La Cite de Refuge la composición por partes termina siendo no muy importante. Es un diseño contemporáneo completamente asombroso. Por último, el edifico Retenanstalt, que fue hecho para un concurso soviético, es un edificio unitario que muestra todos los métodos y conceptos propio del maestro suizo.
Todos estos edificios logran compartir la composición por partes. Dormitorios, torres, edificios centrales etc. Haciendo de una vez un lenguaje arquitectónico nuevo, maduro y desarrollado. Podemos ver como los diseñadores en la lectura y evolucionaron y terminaron dejando atrás ciertos elementos de sus fundamentos. Se terminaron convirtiendo en cualquier otro fundamento de la disciplina
Le Corbusier
Charles-Édouard Jeanneret también conocido como Le Corbusier fue un arquitecto, pintor y escritor
francés y suizo considerado como uno de los pioneros de la arquitectura moderna. Sus diseños
combinan aspectos modernos con aspectos Fuertes y ruidosos del expresionismo escultural. Fue un
arquitecto dotado, escritor provocativo y un pintor talentoso que dejo una marca imborrable en la
arquitectura que se ve hoy día en cualquier ciudad.
Le Corbusier nace un 6 de octubre del 1887, hijo de un pintor de relojes y una maestra de piano. Muy
temprano en sus estudios este gran arquitecto aprende el arte del esmaltado y grabado en las caras de
relojes siguiendo los pasos de su padre. Durante estos estudios tempranos en Arts. Decoratifs en La
Chaux-de-fonds conoce a quien él se referiría como su único maestro, L’Eplattenier. Este le ensena a Le
Corbusier la historia del arte y dibujo; adicional a esto es quien lo convence a que también estudie
arquitectura más adelante. No mucho después Le Corbusier decide dejar de estudiar relojería y se
dedica a continuar sus estudios en arte, decoración Y arquitectura. Es aquí donde comienza un
aprendizaje mayormente autodidacta arquitectónico.
En las pinturas de este gran arquitecto se podían ver formas puras representadas que resonaban con
aquellas que el había visto en estructuras industriales en Europa y en ocasiones Norteamérica. El
entendía que estas formas, tales como, las llanuras y los silos eran emblemas de un mundo nuevo,
moderno y eficiente. A medida en que su entorno político y mundial cambiaba, el también evolucionaba
y esperaba que sus colegas hicieran lo mismo. Veía estos cambios como formas de crear un mundo
nuevo. Este pensamiento era mayormente influenciado por las guerras que estaban ocurriendo en ese
momento y las revoluciones políticas que fueron sucediendo en respuesta a estas guerras.
Corbusier eventualmente desarrolla unos 5 elementos que serían conocidos como 5 puntos para una
nueva arquitectura: Fachada Libre, La terraza Jardín, Planta libre, Ventana longitudinal y pilotis.
Corbusier es un artista sumamente polifacético tanto con el pincel como en el lápiz. Responsable por
promover grandes ideas de urbanismo y hasta el día de su muerte continuar esforzándose por el
desarrollo urbano. Corbusier muere un 27 de agosto del 1965 a los 77 años con el título de uno de los
arquitectos más importantes de la arquitectura moderna y urbana.
Frank Lloyd Wright
La casa “Falling Water” por Frank Lloyd Wright es una de las obras arquitectónicas más
impresionantes del siglo XX. Un hogar que a primera vista te agarra sin la necesidad de tu tener
conocimiento extenso arquitectónico o estético. Es un diseño que logra cautivar a cualquiera que
lo observe. Un hogar diseñado en el 1935 y construido entre el 1936 y 1939. Un espacio donde el
ruido del agua y la naturaleza es tan conmovedor como la estructura. Un estudiante de Frank
Lloyd Wright le presenta su familia al arquitecto que buscaban una casa de retiro. Al encontrarse
con él le explicaron porque el hogar ya no era funcional y lo llevaron al área de la cascada donde
la familia solía pasar el tiempo. Mas Adelante estaremos hablando sobre la estructura en sí y las
decisiones que se llevaron a cabo.
En mi opinión el aspecto más importante de esta estructura es su localización. Este gran
arquitecto decide que, en lugar de mirar la cascada, va a construir la casa encima de la cascada.
Considero que esta decisión es un 40% de la razón por la cual la obra es tan impresionante. La
materialidad que se utiliza logra crear texturas atractivas que complementan el entorno. Es un
espacio completamente remoto, pero no interfiere con la naturaleza que lo rodea. Esta
materialidad utilizada tenía la intención de hacer al espacio verse como parte de la naturaleza.
Los pilares de piedras crudas, la madera y el cemento de las barandas. Son “earth tones” que no
interrumpen la naturaleza. Esto es uno de los aspectos más importantes en la arquitectura; el
poder crear una continuidad del espacio donde estas construyendo o diseñando. Al poder crear
esta continuidad evitas interrumpir el entorno y logras crear un diseño estéticamente atractivo.
“Cada gran estructura, tiene una gran idea detrás”. Son pocos los arquitectos que logran plasma o
representar lo que tienen en el ojo de la mente tan naturalmente o de forma tan fluida. Frank
Lloyd Wright logro a sus 70 años realizar el boceto de esta gran obra en cerca de 3 horas. La
importancia de este detalle es la visión magnifica de este gran arquitecto. Lamentablemente
como muchas cosas en esta vida “Fallingwater” no es perfecta. Tiene problemas estructurales
que fueron presentados y subsecuentemente ignorados por el arquitecto durante construcción. El
primer piso necesitaba refuerzo adicional, la cascada promueve crecimiento de mo y le entra
agua por el techo.
Realmente es una obra magnifica que logra cautivar a todo aquel que la observa. En mi opinión
es una estructura que es mucho más estética que funcional, pero por lo que pude ver, ha
aguantado la prueba del tiempo. Es realmente impresionante el poder ver la mente de todos estos
diseñadores y mas cuando uno de cierta forma siente una envidia por sus estudiantes o aquellos
que estuvieron allí para presenciar el momento del boceto y maqueteo. Aunque, verdaderamente
es un placer el poder estudiar la estructura después de varios años de fenómenos naturales y
numerosas otras situaciones que pudiesen afectar la estructura. Verdaderamente quede
enamorado con esta obra.
La Pedrera
La casa Mila, mejor conocida como “La Pedrera” fue el último diseño del gran arquitecto modernista Antoni Gaudí y construida entre el 1906 y 1910 en el distrito Ensanche en Barcelona. La obra fue originalmente construida para una familia de alto poder adquisitivo de apellido Mila. En la actualidad la estructura imponente es altamente reconocido como el hogar de la escritora Ana Viladomiu, la ultima vecina de la pedrera. Esta obra moderna se destaco de tal modo que fue uno de los primeros lugares en la era industrial en entrar en la lista de sitios mas excepcionales del mundo. Este apodo que lleva la estructura se debe a la textura utilizada para construir su fachada exterior. Mas adelante estaremos hablando mas a fondo de estas texturas, detalles de diseño específicos y que lo inspiro a crear este diseño.
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La pedrera no siempre fue considerada como una obra maestra modernista, al principio fue sujeta a muchísimas critica debido a su estilo muy moderno. Gaudí nunca pudo terminar esta obra como quiso, debido a conflictos entre su visión y la de los clientes tanto como los vecinos. A pesar de este detalle hoy día es reconocida como “El edificio civil mas emblemático de Antoni Gaudí”. Esto se debe al balance perfecto del que tanto he hablado anteriormente. Gaudí logra extrema funcionalidad en sus diseño sin sacrificar su fachada estética. El edificio posee una terraza emblemática debido a las chimeneas y salidas de aire escultóricas que tiene. Las mismas que también sirven para distribuir la luz en los enormes patios exteriores que tiene.
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Antoni Gaudí logra darle un aspecto curva a piedra. A lo que me refiero con esto y para mi es lo mas interesante de esta obra es el contraste entre materialidad y forma. Estructura llamada “La Pedrera”, pero cuenta con una serie de curvas inusuales. Dos cosas que uno no esta acostumbrados a ver muy comúnmente son: piedras y curvas, pero aquí existe un suelo común que es naturaleza. En mi opinión la estructura en ocasiones liquida, o que en cualquier momento se ira a derretir, a pesar de esto Gaudí logra crear una obra con todos estos detalles y no sacrificar el aspecto exterior o interior. Una idea poco usual, pero que fue brillantemente ejecutada.
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Gaudí lamentablemente fallece en el 1926 debido a un accidente de ferrocarril. Este arquitecto brillante fue el máximo representante del modernismo catalán. Fue uno de los arquitectos mas importante de la historia debido a sus obras que se distinguen por incorporar soluciones funcionales basadas en la naturaleza como previamente mencione. Esta obra es un ejemplo perfecto de ello. Piedra combinada con elementos curvos y aspecto de una cierta liquidez en la obra. La importancia cultura de este edificio no tiene medida.
Reflexion del curso
Mi experiencia en el curso del profesor Isado fue una de mucho conocimiento. Logre desarrollar un mejor entendimiento de conceptos básicos de la arquitectura y la importancia de la intención y el contexto de la obra que estemos trabajando o estudiando. Muchos de los arquitectos que estudiamos este semestre son el máximo ejemplo de lo previamente establecido. Uno en particular que me llamo la atención fue Peter Zumthor. La obra que más me llamo la atención de este arquitecto fue el hotel que tiene los baños termales. La intención y ejecución de esta obra arquitectónica es un vivo precedente de arquitectura hecha correctamente. Peter Zumthor logro crear diferentes bolsillos para diferentes problemas dentro de tu obra con los distintos tipos de baños que se ven en su estructura. Próximamente les estaré hablando sobre distintas cosas que aprendí a lo largo del semestre.
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Una lección que tengo constantemente rodeándome la cabeza es la importancia de identificar la necesidad antes de diseñar. Es de suma importancia estar constantemente innovando para poder resolver problemas de formas creativas y nunca vistas. Estas necesidades pueden variar dependiendo de localización, cliente y propósito de construcción. Esta lección es de suma importancia, ya que es una doctrina básica del diseño. Nosotros como diseñadores tenemos que educarnos sobre todas estas variables de antemano para poder llevar acabo un diseño practico. Esto va para todo tipo de diseño.
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La importancia de pensar fuera de la caja e innovar. El arquitecto Frank Lloyd Wright es un perfecto ejemplo de esto. “Fallingwater house”, una casa que todo aspecto de su construcción no es convencional y su localización no es nada usual. Tenemos una casa construida en una cascada y en un bosque, que básicamente sirve como un mundo oculto al resto de la sociedad. Es realmente una obra maestra en el mundo de la arquitectura. La idea de que Frank Lloyd Wright creo este diseño en menos de una hora es increíble. Siento que este curso me dio un mayor entendimiento de los distintos procesos creativos que existen y las intenciones distintas con las que se realizan ciertos diseños.
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Agradezco al profesor por esta experiencia enriquecedora. Verdaderamente logre un mejor entendimiento de conceptos básicos de la arquitectura que me lograron ayudar en mi desempeño en las demás clases de diseño. Muy lamentable el hecho de que no pudimos compartir presencial, pero a pesar de este detalle definitivamente puedo decir que aproveche mi tiempo en este curso. Lamento el realmente no haber participado lo suficiente, porque siento que pudimos haber creado un dialogo mas extenso sobre muchas de estas lecciones nosotros como estudiantes de primer año. Aunque lamentablemente no se dio, puedo decir con suma confianza que fue un curso sumamente provechoso. Gracias por su dedicación profesor Isado.